Cómics para creer (y leer). Los mejores de fuera (y II)

Como tener un blog implica un cierto componente de narcisismo, os dejo con una selección de los mejores cómics que han aparecido en estos últimos años pero que todavía no se han publicado en España:

“The Death Ray”, de Daniel Clowes.
La considerada por la crítica más exigente como la mejor obra de Clowes y uno de los hitos de la pasada década, permanece incomprensiblemente sin editar en español. Quizá el reciente anuncio de su reedición USA en formato “Graphic Novel” sea el detonante de su aparición en español.
Clowes construye un Spiderman posmoderno y sin heroísmo, con sus típicos personajes inadaptados en un brillante ejercicio narrativo y de composición de las páginas, lleno de flashbacks, elipsis, juegos de color, y grandes diálogos. No siempre un gran poder conlleva una gran responsabilidad, a veces crea un psicópata.




“Walt and Skeezix” (Gasoline Alley), de Frank King.
Clásico entre los clásicos, ha ejercido una influencia brutal en la historia del cómic desde Hergé a Chris Ware. King nos narra en tiempo real la vida de Walt y sus amigos, la aparición en su vida de un bebé abandonado y las peripecias de una vida normal: cuidar al niño, buscar novia, etc. Esta fue la primera serie en la que los personajes crecían al mismo ritmo que los lectores. A destacar las magníficas sundays que son obras de arte en sí mismas. Para muestra un botón.
Además se trata de una gran edición con mucho material adicional y magníficos artículos. Deliciosa.



American Flagg¡, de Howard Chaykin. Chaykin fue una estrella absoluta a finales de los 70 y primeros 80, y su mejor obra es este American Flagg¡. Miller y Moore han reconocido que la obra de Chaykin fue un descubrimiento que les abrió nuevos caminos para sus propios trabajos. Fábula futurista de aventuras en la que Chaykin combina temas hasta entonces no presentes en los comic books como la violencia, el sexo o una crítica destructiva de la situación social, todo ello al servicio de unos personajes heterodoxos y muy atractivos. El aspecto formal no le va a la zaga, ya que nuestro hombre posee un estilo visual muy potente, aderezado con la utilización de recursos obtenidos de los medios de comunicación tradicionales (las famosas teles de Miller ya aparecen aquí), o de las onomatopeyas. En el debe, una cierta confusión narrativa de la que no ha conseguido mejorar en ninguna de sus obras posteriores.



Prison Pitt, de Johnny Ryan. Una gamberrada en toda regla del autor más gamberro. Con evidentes deficiencias técnicas en el dibujo, Ryan sin embargo narra con soltura una historia de violencia demencial casi sin diálogos, pero que engancha y logra que simpatices con el monstruo protagonista.



Es verdad que no se trata de una obra maestra de los cómics como en los otros casos, pero es muy disfrutable.

Eso es todo amigos.

En un día de lluvia

Ayer leí una gran historia de cómic titulada "En un día de lluvia". Pertenece al tomo 10 de "El lobo solitario y su cachorro" de Koike y Kojima.



Esta obra tenía un prestigio mítico ya que según reconoció en su momento Frank Miller era una de sus obras de cabecera. La verdad es que la obra me parece muy buena con algunos destellos deslumbrantes aunque desigual, como no podía ser de otra manera en una serie con más de 8.700 páginas. Cuando aciertan como en este caso te impactan con la fuerza de una obra maestra. Pocas veces se ha mezclado tan bien la narración en viñetas, con la poesía, la sensibilidad, el concepto del héroe, y el sacrificio.
No me extraña que estos tebeos le gustaran a Miller y no me sorprendería que algún día dijera que por ejemplo Hartigan, de "Ese Cobarde Bastardo" está inspirado en esta historia.

Rewind: The portable Frank, de Jim Woodring

Jim Woodring ha construido un universo delirante y extraño partiendo de la tradición de los cómics denominados “funny animals”, es decir historias con animales antropomorfizados, cuyo más claro exponente son los personajes Disney.


Con un estilo de dibujo cercano a la línea clara, elegante y muy creativo en el diseño de los escenarios y los personajes, Woodring nos sorprende con las aventuras de Frank, un personaje simpático en apariencia (gracias a la influencia inconsciente que el diseño y la tradición ejercen sobre el lector), pero que es egoísta, distante y hasta cruel en ocasiones, sobre todo con el denominado hombre-cerdo, centro de innumerables vejaciones y que suele acabar fatal en todas las historias. Frank se mueve en un mundo lleno de amebas carnívoras que surgen del aire, conoce a una especie de Demiurgo con un sonrisa enigmática que lo mismo ayuda a Frank que mantiene al hombre-cerdo en una celda de tortura, tiene una mascota que es una especie de …, no sabría decir qué, pero con cola y con muy mala leche, y así descubrimos hallazgos casi en cada página.
Frente al carácter amable de sus referentes, Woodring introduce en todas sus historias una sensación indefinida de amenaza, de inquietud, magistralmente reafirmada por el silencio que impera en el desarrollo de las historias y el ritmo narrativo. Así, al ir leyendo las diferentes partes nos zambullimos en una marea de surrealismo coherente y cerrado, en la que el talento del autor nos plantea situaciones curiosas a las que cada lector puede dar su propia interpretación.
Historias que parecen sueños y mundos en lo que todo es posible y nada es como lo conocemos.

Rewind: Nausicaä del Valle del Viento, de Hayao Miyazaki

Con casi diez años de retraso desde que se publicara en España y con más de 25 desde su inicio en Japón, he leído por fin “Nausicaä del Valle del Viento” de Hayao Miyazaki.
En este tiempo, Miyazaki se ha convertido en un cineasta muy conocido y considerado no sólo en el ámbito de la animación, así que no necesita de mucha presentación.



Con un estilo muy depurado en la línea del mejor Moebius (casi nada) y una estética cercana al “steampunk medieval”, nos cuenta una historia de aventuras en un mundo amenazado y al borde de la destrucción por el efecto del desarrollo sin control, dónde el mayor peligro son los seres humanos y sus actividades, así que la heroína intentará por todos los medios que volvamos a valorar lo que de verdad es importante: el respeto a todos los seres vivos, el desarrollo interior de cada uno, y sobre todo la armonía con la naturaleza de la que somos una parte más y no sus únicos dueños.



Mi impresión del cómic es…que se confirma la opinión que me había formado de Miyazaki viendo sus diferentes películas. La sensibilidad ecologista-humanista funciona mejor en historias sencillas aunque contengan tonos fantásticos tipo Chihiro, Totoro, que en grandes epopeyas inscritas aunque sea nominalmente en el género de aventuras.

Así, y como no podía ser de otra forma en un cómic de 1.200 páginas hay altibajos en la trama, personajes muy interesantes que casi no son utilizados, subtramas que se abandonan y en general una cierta confusión en el desarrollo de la historia… pero sin embargo, se lee de un tirón, nos implicamos en lo que nos cuentan, el dibujo es espectacular y tiene momentos de auténtica emotividad como sólo un autor japonés puede conseguir.

Rewind: La noche del Mocambo, de Serge Clerc

Heredero de Joost Swarte e integrado dentro del “Estilo Atómico” junto con ilustres compañeros como Chaland o Benoit, Serge Clerc fue una estrella del cómic franco-belga de principios de los ochenta. Renovador de los postulados clásicos de la BD, destaca sobre todo por un estilo visual muy elaborado y un tratamiento más adulto de las historias. Especialmente atraído por el rock clásico y el jazz reflejará esta pasión en la mayoría de sus cómics, constituyendo una de sus señas de identidad más apreciables.


La noche del Mocambo es un resumen perfecto para acercarse al universo de Clerc: mujeres fatales, héroes desencantados, ambiente de clubes nocturnos llenos de humo y música. Sin embargo, pronto se alejaría de los cómics para dedicarse a la ilustración y el diseño con lo que su influencia en la historieta ha quedado bastante difuminada.
Imprescindible para los nostálgicos del Cairo y la línea clara.

El canon de los comics: Comanche

El western es el género norteamericano por excelencia. La construcción del país y su cultura se asientan en la conquista del oeste elevada a la categoría de mito fundacional.
En su imaginario aparecen temas clásicos cómo la libertad de los pioneros frente a la llegada de la civilización con sus leyes y limitaciones, el conflicto y las relaciones con las tribus indias, la construcción del ferrocarril como signo del avance inexorable del desarrollo, la ley del más fuerte ejemplificada en los pistoleros y sus duelos,.

En el mundo del cómic la paradoja es que las grandes obras del western son europeas:Desde el “Blueberry” de Charlier-Giraud, al “Jerry Spring” de Jijé, pasando por el “Ken Parker” de Berardi-Milazzo, “Manos Kelly” y “McCoy” de Hernández Palacios, “Durango” de Swolfs, “Mississipi Jim” de Giraud-Charlier, “Buddy Longway” de Derib, Tex, etc la lista es interminable. Como curiosidad, siempre me ha resultado alucinante la famosa anécdota de cómo Meziéres (el dibujante de Valerian) fascinado por ese mundo se fue a Estados Unidos para trabajar como cowboy durante un par de años.



Sin duda uno de los grandes westerns tebeísticos es “Comanche” de Greg y Hermann (aunque ahora se ha puesto de moda llamarle Hermann Huppen). Un gran cómic que he leído en la edición integral de Planeta que recopila en dos volúmenes los 10 álbumes que hicieron juntos.

Publicada en el semanario Tintín, nació como una respuesta a Blueberry, y Jerry Spring que aparecían en sus revistas competidoras, Pilote y Spirou respectivamente. Sin embargo, y cómo declara el mismo Greg intenta alejarse de sus modelos introduciendo un tono más adulto y melancólico, frente al de la aventura en estado puro que se desarrolla por ejemplo en Blueberry.

La serie rinde homenaje a varios de los grandes directores de películas del oeste: por un lado, la influencia del western crepuscular de Peckinpah es notoria, eliminando la imagen más idealizada, y sustituyéndola por la suciedad, el desaliño, la difusa frontera entre el héroe y el asesino, la violencia cómo regla de supervivencia en la mayoría de los casos. Por otro lado, sin embargo estas historias nos traen ecos del cine más clásico desde John Ford a Howard Hawks, no en vano la primera viñeta de la serie es un homenaje a “La Diligencia”, y la caracterización de los personajes secundarios especialmente el viejo “Ten Gallons” nos remite a esos secundarios excepcionales de Hawks (pienso en El Dorado, por ejemplo).
Por otro lado, las 7 primeras páginas del álbum “El dedo del diablo” constituyen una espléndida recreación de la obra maestra por excelencia de Ford “El Hombre que mató a Liberty Valance” con una página final que me parece un homenaje siquiera indirecto al “Jeremiah Jonson” del dúo Pollack-Redford.



Y precisamente para mí la cota más alta de la serie es el díptico “El dedo del diablo-Los Sheriffs”, idea que reconozco tiene mucho que ver con el hecho de que fue precisamente “Los Sheriffs” el primer álbum que leí de Hermann, cuando se publicó en la transposición que hizo Bruguera de la revista “Tintin” a principios de los ochenta.
Si el guión es muy bueno, el nivel gráfico no le anda a la zaga. Hermann va añadiendo recursos álbum a álbum, manteniendo su capacidad narrativa y su fuerza expresiva, y al llegar a estos dos álbumes ha adquirido un dominio de la gestualidad y de la anatomía de los personajes espectacular, que le permite completar y mejorar el guión de Greg. Consciente de ello, se lanzaría a realizar sus propios cómics con un éxito tremendo.
Para ejemplo, esta plancha de Los Sheriffs, mi favorita de toda la serie, en la que Hermann hace una planificación ejemplar cambiando los puntos de vista, con picados-contrapicados, con una viñeta de detalle que nos aporta el punto de vista de un narrador objetivo.



La postura de Poncho con esas pierna abiertas y el revolver bajo nos dice que el personaje es un pistolero profesional, de los que no tienen dudas en disparar, en definitiva un hombre sin escrúpulos que puede sonreír un momento y matarte por la espalda al siguiente. Todo ello nos remite directamente a la caracterización del bandido Valance que hizo Lee Marvin , en el que en un momento de la película adopta una postura muy parecida y que fue copiada hasta la saciedad posteriormente en el spaghetti western.

Un grandísimo tebeo para disfrutar enormemente.

Warren Ellis. Un Inglés.

Lo primero es que no se debe confundir el violinista con el guionista (como, tengo que reconocer, me pasaba a mí hasta esta mañana, jeje...), aunque seria bastante bonito.

Estas vacaciones me he tomado mi tiempo y he podido revisar parte de la obra escrita para la editorial Avatar Press por Warren Ellis. Multitud de historias, unas perfectamente olvidables, otras notables. Entre todas ellas voy a destacar Crecy no por su apartado estilístico o por el interés de su guión (recomendable en ambos casos), es destacable porque es la definición perfecta de lo que significa ser INGLÉS.

Crecy narra una de las batallas mas importantes de la guerra de los Cien Años disputada entre Francia e Inglaterra que supuso el fin de la ética caballeresca y de la guerra como se concebía hasta ese momento. Ellis aprovecha este escenario para, a través de un arquero reclutado entre los campesinos ingleses, narrar un hecho histórico de relevancia con detalle didáctico y hacer una disección de la mentalidad inglesa.

- Los ingleses tienen una gran capacidad de ocultar sus pequeños defectos y sentirse orgullosos de los mas depravados vicios (y no hablo de tomar té todos los días).

- Un inglés empieza a animarse en el momento que insulta a su prójimo.

- Su cinismo llega al punto de quejarse del clima de todo país que no sea Inglaterra .

- La Gran Bretaña es un invento de los políticos y no existe ningún sentimiento de unidad entre los pueblos que la conforman. Los galeses son simplemente follaovejas y los escoceses siempre serán jodidosescoceses. Las 'colonias' en Irlanda no son merecedoras ni de ser nombradas.

- Todo inglés siente en su sangre la pureza de su raza pero al mirar hacia los lados puede alegar que su propio hermano es un sucio bastardo mestizo normando, sajón...

- El espacio Inglés es reducido y es necesario expandirse para dar salida a TODO el que no tenga pureza de raza.

- Los gobernantes siempre serán criticados y lo que importa de ellos no es lo que realmente consigan durante su mandato sino quienes son sus amantes o las discusiones que tienen con ellos. La autenticas claves de la realidad están en la prensa amarilla.

- Mas allá de sus fronteras existe simplemente la barbarie pero ellos han inventado la gran mayoría de las tretas mas sangrientas de la historia.

- Cualquier hecho favorable será enardecido y celebrado hasta la saciedad. los desfavorables serán olvidados hasta el punto de ser negados.

Todo esto y mucho más en estas cuarenta páginas perfectamente disfrutables desde el punto de vista del humor ácido.

Viajeros

No me suelen convencer mucho las obras de vanguardia, quizá por falta de conocimientos técnicos que te permitan apreciar la importancia del cómic en cuestión o por una personalidad básicamente conservadora, sin embargo reconozco que “Travel” de Yuichi Yokoyama me ha fascinado. Ahora que Apa-Apa Cómics lo edita en castellano lo recomiendo fervorosamente para aquellos que busquen algo más, algo novedoso.
Y es que este cómic es casi alienígena, como muy acertadamente expresaba Santiago García: no tiene diálogos y la historia se reduce a tres tipos que viajan en un tren y llegan a su destino, y aun así te engancha, no puedes dejar de pasar páginas y contemplar sus viñetas llenas de movimiento con constantes cambios de plano, con personajes raros que nos devuelven la mirada, con paisajes extraños pero a la vez reconocibles...
Lo mejor es el absoluto dominio de la composición y de la puesta en escena de Yokoyama. No se lo pierdan.



Y cómo suele ser habitual El tio berni ha escrito la mejor reseña

El canon de los cómics: La búsqueda del pájaro del tiempo

La búsqueda del pájaro del tiempo fue un auténtico superventas a finales de los 80 tanto en Francia como en España (de la mano de Norma). Completado el primer ciclo compuesto de 4 álbumes (entre 1982-1987), los autores Serge Le-Tendre y Regis Loisel se tomaron un largo paréntesis hasta que en 1998 inician el segundo ciclo de la historia, de la que se han publicado ya dos álbumes (El amigo Javin y El libro mágico de los dioses). Está previsto que en abril salga el tercero en Francia que se titula “La voie du Rige”, o “El camino del Rijo” en una traducción aproximada.



Se trata de una serie de fantasía, aventuras y magia que sigue los esquemas clásicos establecidos por Tolkien, ya que el planteamiento inicial es la reunión de una serie de personajes diversos (un viejo héroe, una atractiva jovencita, un personaje humorístico de contrapunto, el malvado con viejas rencillas que ajustar con nuestros héroes, etc) a los que se encomienda la misión de salvar al mundo, para lo cual deberán superar una serie de pruebas llenas de obstáculos y todo ello enmarcado dentro de la eterna lucha entre las fuerzas del bien y del mal.
Hasta aquí nada muy novedoso, y de hecho el primer álbum “La concha de Ramor” funciona bastante bien pero sin grandes alardes. Sin embargo a partir del segundo capítulo “El Templo del olvido” la cosa empieza a adquirir matices de una mayor complejidad obviando las soluciones más trilladas, aunque siempre dentro de la tradición del género.



Todo eclosiona definitivamente en el tercer tomo “El maestro”, un prodigio de tempo narrativo, de mezcla de subtramas y de combinación de elementos tales como la acción pura y dura, el humor, y sobre todo la melancolía que envuelve a los dos personajes centrales de la historia: Bragon y el Rijo. La historia finaliza en el cuarto volumen “El Huevo de las tinieblas” de manera atípica para un producto tan comercial, pero sobre todo manteniendo ese ambiente de cierta tristeza, aunque eso sí salpicado con gotas de humor y aventura.



En el apartado gráfico el dibujo de Loisel es muy atractivo, en la más pura tradición franco-belga destacando especialmente para mi gusto en el diseño de las arquitecturas y de las diferentes razas y animales que pueblan el mundo de Akbar, y que confieren una gran credibilidad al relato. En su debe quizás una cierta confusión en la narración debido a la colocación y tamaño de las viñetas sobre todo en el primer tomo.
En la continuación de la serie los autores originales se centran sólo en el guión, con la ayuda a los lápices de Lidwine y Mohamed Auomari, y nos cuentan la historia del joven Bragon y de cómo llegó a convertirse en héroe, manteniendo el tono y el estilo de la obra tanto en la historia como en el apartado gráfico. Estoy esperando con muchas ganas ese tercer tomo con el Rijo, mi personaje favorito de la serie.

Operación Rescate

Revisando viejo material me he encontrado con esta historia que aparecía en el fanzine El Dado nº2, que se entregaba con la revista teórica Krazy Comics. Me pareció buenísima y creo que no se ha publicado en ningún otro sitio, así que la cuelgo para que la disfrutéis.







Premio para el que adivine quién es su famoso autor.

La cultura juvenil

Chris Ware no es sólo un genio del diseño y del aspecto visual de los cómics sino que sus ideas de lo que son y de lo que pueden llegar a ser como medio de expresión ha iluminado a todos los demás. Su convicción de que el cómic es un arte y sus autores son artistas y no profesionales, es la idea clave que ha permitido el florecimiento que hemos vivido en la decada.

Para muestra, unos textos colocados en la cubierta de Jimmy Corrigan, recopilación del año 2001 y que sirven de ideología al movimiento de la novela gráfica, aunque estén barnizadas con un tono irónico:

"Libera al lector preocupado por su imagen, del tan corriente sentimiento de culpa que se asocia con el consumo púbico de literatura infantil de carácter extravagante y sensacional.Este proyecto maduro complementa y no contradice las vulgaridades y las situaciones escabrosas habituales en la cultura juvenil contemporanea."


Archívese bajo el epígrafe literatura/autoayuda.

The all-word books

El número 300 de The Comis Journal, la revista teórica mas influyente del mundo, propone una conversación entre David Mazzucchelli, el genial creador de “Daredevil Born again” “Batman año uno” y “Ciudad de Cristal”,y Dash Shaw un joven autor californiano que se está situando como el nuevo referente mundial con obras como “Ombligo sin fondo” y los próximos “The unclothed man in the 35th Century” y el espectacular “Body World".

La conversación no tiene desperdicio y tengo pensado referirme a ella en varias posts, pero hoy traigo un detalle que me ha resultado muy curioso (la traducción es aproximada):

David Mazzucchelli: Para mí los cómics son más diferentes que similares a las películas, y por eso no me gusta cuando la gente los compara. Es una forma de lectura. Todo ocurre en tu cabeza. Toda la ilusión del tiempo que transcurre y que sucedan cosas se produce por la forma en que juntas las imágenes y luego las palabras con ellas y el lector tiene que reunir todo y puede leerlo en cualquier manera que él o ella quiera. Leer la página de cualquier manera, incluso volver atrás.

Dash Shaw: Tengo muchas veces esa experiencia lectora inicial y entonces después paso más tiempo con ello como si fuera sólo un objeto artístico o una monografía de dibujos bonitos. Algunos comics los he llevado conmigo a todos los sitios y no recuerdo la primera vez que los leí. Realmente eso es algo que me gusta de los cómics con respecto a los libros. Los libros normales todo-letras los leo y siento como si no tuviera que poseerlos.



Resulta que esto que cuenta DS es algo que he sentido toda la vida. Cuando no tenía dinero sufría por tener que seleccionar entre cómics, libros, música… El deseo de poseer los cómics y poder releerlos o simplemente hojearlos cuando quisiera era tan fuerte que al final opté por sacar los libros de la biblioteca, porque una vez leídos permanecían en la memoria y así podía dedicar mi escaso dinero a los tebeos. La música claro me la dejaban casi toda. Ahora resulta que DS y DM han racionalizado ese sentimiento enlazándolo con la consideración del cómic como objeto-artístico.

Claro, que no sé yo si un tebeo de Daredevil editado por Forum en los ochenta puede ser considerado como un objeto de arte…

Los mejores cómics del 2009

Estos son los cómics que la revista Rockdelux considera como los mejores del año:

1. Catálogo de novedades ACME. Chris Ware
2. George Sprott 1894-1975. Seth
3. Génesis. Robert Crumb
4. El arte de volar. Antonio Altarriba-Kim
5. Julius Knipl, fotógrafo inmobiliario. Ben Katchor
6. Pascal Brutal. Riad Satouff
7. El gusto del cloro. Bastian Vives
8. Ombligo sin fondo. Dash Shaw
9. Breakdowns. Art Spiegelman
10. Pinocchio. Winshluss
11. Pobre marinero. Sammy Harkham
12. La extraña historia de la isla panorama. Suehiro Maruo
13. All-Star Superman. Morrison-Quitely
14. Una vida errante. Yoshihiro Tatsumi
15. Sócrates el semi-perro 3. Edipo en Corinto Sfar-Blain

A pesar de que se trata de una revista musical, sus recomendaciones tebeísticas son siempre muy interesantes, coordinadas bajo la batuta de Pepo Pérez, ilustrador, dibujante y referencia total con su excelente blog Es muy de cómic.

De la selección, destacar que el influjo de Chris Ware es demoledor. También en la lista de los mejores de la década es el número 1.
Respecto de las listas se me ocurren dos cuestiones, la primera que el 2009 es el mejor año en cuanto a cómics desde el binomio 86-87,y estoy seguro que se recordará durante mucho tiempo la acumulación de obras geniales que hemos visto publicadas.
La segunda, es que me resulta curiosa la valoración unánime del Catálogo como mejor obra de la década obviando el Jimmy Corrigan, que para mí es francamente superior.
Que haya visto, sólo en 13 millones de naves piensan igual.

Un deporte Norteamericano y III

James Sturm era un desconocido para mí hasta hace bien poco. Pero resulta que en Estados Unidos era una figura reconocida en el mundo de la historieta, director de un centro del comic en Vermont y un teórico apreciado.
El libro "James Sturm´s America: God, Gold an Golems",que es el que he leído, recoge tres historias cortas que tratan de ahondar en las raíces de la historia de Estados Unidos: "The revival" que trata de las sectas religiosas en los albores del s.XIX, "Hundreds of feet below daylight", sobre las peripecias de los buscadores de oro en un destartalado poblado y la última "The golem´s mighty swing", centrada en el deporte americano por excelencia. En España, La Cúpula ha editado los dos primeras en un sólo tomo denominado "Encima y debajo", mientras que la tercera apareció en 2008 como un tomo único con el título de "El asombroso swing del Golem" .
Leyendo el libro parece evidente que el autor fue ganando en confianza y ambiciones tanto estilistica como temáticamente según iba realizando las historias. Así, la mejor historia con diferencia es la última y es en la que nos centraremos.



Con un estilo muy depurado y atractivo, y una planificación magistral, Sturm nos cuenta una historia marginal del béisbol en los años 20, es decir, como si en España se hiciera un tebeo sobre un equipo de fútbol de segunda en los años de la posguerra,que le sirve como metáfora sobre la integración de los inmigrantes que llegaron a los USA.

Os enlazo una reseña que explica muchísimo mejor todo esto, Entrecómics



Para no ser muy parcial en la Cárcel de Papel se ve de otra forma

Personalmente, las largas secuencias de béisbol me han encantado y me parecen lo mejor del tebeo. La esencia del juego está perfectamente lograda, tienen el ritmo adecuado (el béisbol es un juego lento, de concentración, de desafios y por tanto muy psicológico) y existe un trabajo de documentación buenísimo. También me gusta Sturm porque no es demasiado didáctico, no da todas las respuestas, los personajes son muy atractivos y te quedas con ganas de saber más de ellos. Por poner un pero, el final me parece un poco demasiado abrupto.
Gente tan notable como Jonathan Lethem o Russell Banks, elogiaron fervorosamente el cómic y fue elegida como la mejor novela gráfica del 2000 por Time y aunque es un tebeo que no ha tenido demasiada repercusión mediática en España tiene un nivel de calidad muy alto y lo he disfrutado enormemente.

Como resumen me quedaría con una frase:

"...su imaginación vivía en el viejo país, y la mía estaba en América y el béisbol es América."

El canon de los cómics: Doom Patrol

“Existe otro mundo. Existe un mundo mejor. Bueno, debe existir.”



• Un gorila que habla y transporta un cerebro parlante al que finalmente declara su amor eterno con un beso de tornillo.
• Una loca con 64 personalidades diferentes que fue violada por su padre, al que mató.
• Un superhéroe que es una amalgama hermafrodita de Hombre blanco/Mujer negra junto con una fuerza esotérica negativa, que evoluciona poniendo un huevo en la luna.
• Una mezcla de Jack el destripador y Dios que se alimenta del dolor de millones de mariposas.
• Un supervillano encarnación del surrealismo dadaísta que se presenta a Presidente de los USA y hace campaña por sus estados en un autobús a lo “flower power”.
• Otra supervillana que para utilizar sus poderes debe de estar dormida y para conseguirlo escucha a Barry Manilow en unos auriculares gigantes.
• Generales norteamericanos que se mueven por el pentágono montados en pelotas de goma.



• Homenajes/parodias a la saga de Galactus de Lee-Kirby, Hellblazer, los X-Force de Liefeld, el DK de Miller,…junto con referencias artísticas al surrealismo, el dadaísmo, la escritura automática, Timothy Leary, Borges, el Hombre invisible, el posmodernismo, la contracultura, etc, etc,
• Un culturista, trasunto de los anuncios de Charles Atlas, que flexiona sus músculos para producir sus superpoderes.
• Una calle que se puede transportar a cualquier lado del universo, que es un personaje en sí mismo, es travesti y manda mensajes cuasi-zen al resto de la Doom Patrol, a través de sus escaparates.
• Personajes estrafalarios con nombres tan delirantes como la patrulla sexy, el fenomenal Mr Evans, Los hombres tijera, el Salón del té del desespero, los solteros áridos, la ciudad de los filósofos Orqwith…
• Un cómic hecho entre 1989 y 1993 para la DC por Grant Morrison y Richard Case.

Una obra maestra.



P.D. En una entrevista Grant Morrison declaró que mientras escribía los guiones de Doom Patrol estaba totalmente “limpio”, no así en los 90 (Invisibles, Flex Mentallo Zenith) en los que tomó regularmente LSD, Cannabis, Hongos, DMT, 2CB, éxtasis y champán y además construyó su propia teoría mágica.

Dibujantes

Mañana estará Jean Giraud “Moebius” en la Fnac de Callao. Afortunados los que puedan asistir, pero su visita me ha hecho pensar en un viejo debate:
¿Quién es el mejor dibujante de la historia?
Es una pregunta con trampa porque cada uno puede aplicar su concepto de lo que es dibujar tebeos, pero a lo que me estoy refiriendo es a la consideración individual de los dibujos/viñetas sin atender a cuestiones narrativas o estilísticas, sino a la capacidad pura de los dibujos para seducirnos, a esa emoción que ha experimentado todo lector de cómics ante un gran dibujo, al deseo de integrar y de hacer tuya una imágen unido a la incapacidad de asimilarla en su totalidad.
En ese terreno mis tres mejores dibujantes de la historia son:

Harold Foster
El más clásico entre los clásicos, la perfección del dibujo a través de un dominio absoluto de todas los recursos técnicos, la anatomía, la composición, la expresión gestual, los escenarios…. Es tal la naturalidad y la expresividad de lo dibujado que Foster no necesita de los bocadillos para contarnos la historia, le bastan los textos de apoyo.
Un detalle que a mi juicio demuestra esa superioridad de Foster, es la controversia sobre las ediciones de Príncipe Valiente. Los fans quieren apreciar de la mejor forma posible la grandeza de esa obra y por ello no se conforman con las ediciones existentes, buscan el grial de la perfección.
Por ahora, la mejor edición para apreciar a Foster es la que está llevando a cabo el editor independiente portugués Manuel Caldas: en blanco y negro y a gran tamaño con una calidad en la edición espectacular. Sólo hay que esperar que pueda concluir su labor.





Moebius
Si Foster es el clásico, Moebius es el talento natural en estado puro. Es el único dibujante que rozó la perfección en un estilo de dibujo tradicional (como Jean Giraud “Gir”en las aventuras del teniente Blueberry, sobre todo a partir del álbum Angel Face), y al mismo tiempo se reinventó a sí mismo desde la modernidad más absoluta, con una depuración y simplificación de la línea, que en sus mejores momentos maravilla por la cantidad de matices y registros que consigue. Sus obras maestras en esta etapa son el Garaje Hermético y la saga del Incal.
Alcanzar lo más con lo menos, sería mi resumen de su obra como Moebius.







Hergé
Georges Remi “Hergé”, El padre de Tintín, es un gigante del estilo. Asimiló las influencias de los primeros genios como Saint-Ogan, King, McManus, entre otros para crear su propia técnica de traslación de la realidad a las viñetas con tanto éxito que fundó una escuela propia: la “línea clara”, identificable hasta para un profano y sencilla en apariencia pero que contiene una capacidad de asimilación, de síntesis y elaboración brutal. Evidentemente el referente es la serie de Tintín, pero a nivel puramente formal lo mejor sería la dupla "Tintín en el Tibet- Las joyas de la Castafiore".





También existen una pléyade de autores que andan muy cerca de estos tres y que según mi estado de ánimo incluso les adelantan: Alex Raymond, Yves Chaland, Winsor McKay, Frank. King, George Herriman, Milton Caniff, Alan Davis, Franquin, Will Eisner, Vittorio Giardino,…